Biografías del objeto en América colonial. Interacción e impacto creativo entre la continuidad y la transformación

Los objetos artísticos creados en Europa, Asia y América durante los siglos XVII y XVIII, activos en diferentes esferas como ambientes familiares, políticos o religiosos, talleres de artistas y comercios, en ocasiones integrantes de colecciones incipientes, constituyen hoy en día fragmentos históricos heterogéneos del pasado. En ese entonces desempeñaron de manera efectiva variadas funciones dentro del sistema de las artes en el vasto territorio de encuentros y negociaciones del que fuera llamado “Nuevo Mundo”. Estas manifestaciones visuales de la cultura –entes materiales creados por el hombre, cargados de usos y sentidos y, como propone Warburg, capaces de transmitir ideas–, funcionaron como conectores entre distintas prácticas artísticas e interactuaron entre sí de formas variadas, tanto en tiempos superpuestos como consecutivos, como resultado de múltiples y sucesivas apropiaciones. En este sentido, la mirada de Warburg sobre estos objetos y su capacidad de movilizar/movilizarse se articula entre dos conceptos clave para este enfoque: bilderfahrzeuge, imágenes vehículo, y bildwanderung, imágenes migrantes, a partir de los cuales enriquece el panorama de objetos que circulan, dejan huella y son capaces de accionar de modo concreto sobre el medio.[1]

Como han señalado Gell y Appadurai entre otros, de manera frecuente el objeto deslizado entre espacios distintos adquiere nuevos sentidos y usos y, al someterse a esta lógica, se adapta a los límites y características del ambiente que lo recibe.[2] Al resultar inserto en prácticas similares o diversas de aquellas para las que fuera concebido originalmente, confluyen en el objeto variadas manifestaciones al tiempo que puede resonar en nuevas obras y formas que se inspiran en él, retirado o negado por su pérdida de eficacia, aislado como algo ajeno al entorno local, utilizado como distintivo social para, en fin, convertirse en una forma “naturalizada” en estos ámbitos, multiplicado como consecuencia de nuevas prácticas de uso, y alcanzar una difusión inesperada.

Una biografía cultural de las cosas supone, según Kopytoff, un cuestionamiento no solo acerca de su contexto de producción sino acerca de su devenir histórico, sus usos y funciones, su interacción con otros artefactos visuales y su posible valor de intercambio en un panorama que se complejiza al abordar este tipo de estudio en el marco de zonas de contacto.[3] En este sentido, el objetivo de este dossier fue el de reconstruir las trayectorias de estos objetos que funcionaron entre ámbitos culturales diversos y que participaron de la formación del horizonte artístico y visual de la América española y portuguesa a lo largo de los siglos XVII y XVIII.

La idea de biografía se presenta como un claro eje en el artículo de Milena Gallipoli, “Escribir en bronce, escribir en el polvo: atisbos en torno a un objeto de la escritura”. A partir del estudio de un escritorio contador del siglo XVIII, la autora profundiza sobre las prácticas en las que se encontraron inmersos esos objetos, entre la lectura, la escritura y el almacenamiento de secretos en papel. Así como los manuscritos que, atesorados, se abren y cierran, el escritorio contador se despliega y repliega, al decir de Gallipoli, para mostrar y ocultar sus imágenes alegóricas y acrecentar su valor simbólico en su devenir entre espacios públicos y privados. Se trata de una sugestiva aplicación de la metodología de la historia cultural en relación con el cruce de prácticas artísticas y prácticas de la escritura.

Renata Maria Almeida Martins presenta el estudio de deslizamientos en su artículo “Uma cartela multicolor: objetos, práticas artísticas dos indígenas e intercambios”, en el cual examina la apropiación de objetos, técnicas y materiales de la Amazonia colonial en el ambiente misional. Plumas, pigmentos, tinturas y barnices, calabazas pintadas, pipas de madera y otros variados objetos de madera, enriquecieron el repertorio de tonos, formas, olores, sonidos y sabores vinculados a la naturaleza amazónica y que los religiosos supieron valorar. Los nuevos objetos creados para cumplir con funciones religiosas evidencian la huella de estas tradiciones así como las técnicas locales utilizadas, al tiempo que dan cuenta de influencias formales provenientes de Oriente. El estudio de las múltiples fuentes primarias que refieren a estos objetos así como la documentación relativa a artífices activos en el medio misional constituye un claro aporte de este artículo.

Carolina Ossa y Juan Manuel Martínez presentan el estudio de una obra en particular: una pintura de la Virgen de la Merced de José Gil de Castro. La investigación, realizada en articulación con su restauración, ha permitido insertar esta imagen dentro de una historia de las funciones y prácticas devocionales en Chile a principios del siglo XIX. La indagación en la biografía de esta obra también ha permitido identificar deslizamientos y trayectorias a través de distintos sistemas de significados que, en este caso, la transformaron de una pintura de enrollar a una pintura de caballete, de un ámbito familiar a uno patrimonial, de la devoción a la exposición. La inclusión de esta obra dentro del corpus de imágenes creadas por Gil de Castro permite estudiar las continuidades en la representación de temas religiosos a fines de la colonia.

Rodrigo Bastos presenta un análisis sobre las posibles relaciones entre la tradición retórica y la ciudad tras la idea de urbanización y arquitectura como ornamentación del territorio. El estudio de Bastos revela una significativo aporte al desarrollo de una metodología de la investigación acerca del siglo XVIII en la América portuguesa, que incluye la apropiación de instrumentales críticos del campo de la teoría literaria y cuyos representantes más importantes son João Adolfo Hansen, Alcir Pécora o Adma Muhana. Este conjunto de investigadores propone desde los años 1990 una gradual reintroducción de los textos de las poéticas portuguesas de los siglos XVII y XVIII tras una activa labor editorial y han sido responsables de la definición conceptual de los estudios acerca del Barroco en Brasil.

Los artículos de Danielle Pereira y Giuseppina Raggi presentan un detallado análisis de casos de transmisión de modelos visuales entre los ámbitos artísticos portugués y brasileño a mediados del siglo XVIII. Aún cuando parten de objetos similares, es decir, la pintura de quadratura de origen italiano, Raggi presenta una genealogía de los procesos de transmisión que se establecen entre la Toscana, el área de Lisboa y, posteriormente, determinadas zonas en Brasil –Salvador de Bahía, Minas Gerais– que se convierten en un campo de recepción privilegiado de esta modalidad de arte decorativo monumental. Su enfoque se vincula con los estudios de geografía artística, a la manera de Thomas da Costa Kaufmann, a partir de las aproximaciones formales que propone entre los diversos casos que aborda y que establecen una interesante cadena de hechos artísticos. Incluye, aún, elementos de una nueva Historia Social del Arte, a la manera de Enrico Castelnuovo, al tratar del tema de las cofradías de negros al largo de segunda mitad del siglo XVIII.

Por otra parte Danielle Pereira propone un recorrido alternativo, presentándonos un estudio de caso específico, el del techo de la sacristía de una iglesia carmelita en la ciudad de Mogi das Cruzes en el estado de São Paulo. La autora hace una revisión sobre las relaciones centro/periferia artísticos al contrastar una narrativa tradicional establecida acerca de su objeto –que la crítica en general imaginaba como objeto desplazado– revelando, tras una prospección documental ejemplar y el análisis de aspectos materiales de su objeto de investigación, la presencia efectiva de un maestro pintor de relevancia en la provincia paulista. Modificase de este modo la comprensión de los mecanismos que han definido los centros de producción artística en la América Portuguesa. Lo que principia como un esfuerzo descriptivo revelase como una señal de la continua y necesaria reinvención de las narrativas acerca de la producción colonial en nuestros contextos a depender siempre de las políticas de acceso a los archivos y a la documentación, sobre todo la eclesiástica.

Para finalizar, María Alba Bovisio y Marta Penhos en su escrito “De waka a Virgen, de Virgen a waka: una reflexión sobre el estatuto de imágenes de culto coloniales desde la Antropología del Arte”, articulan una indagación teórica sobre los postulados de Alfred Gell y Hans Belting en relación con el estudio de las categorizaciones pasadas y presentes, realizadas sobre los objetos de culto entre América pre-hispánica y colonial. A partir de una lectura crítica del concepto de imagen en su aplicación al estudio de wakas, ídolos, bultos o pinturas, las autoras profundizan en la presencia material de estos objetos y en los vínculos con las propiedades corpóreas de aquellos individuos a los que refieren pero también a aquellos que las crean y utilizan. En este sentido, destacan las reflexiones en torno a la devoción de la Virgen y sus formas de representación, en particular acerca de los “trampantojos a lo divino”, imágenes que han despertado un particular interés por parte de los investigadores del periodo Barroco.

Los siete artículos que componen este dossier indagan en las biografías de los objetos desde perspectivas variadas, ya sea estudios de caso, abordaje de objetos concretos vinculados a sus usos dentro de la cultura colonial, trayectorias que se traducen en apropiaciones locales de nuevas teorías y prácticas, en el cruce con valiosos aportes teóricos y metodológicos que realizan los autores para contribuir con el estudio de la producción artística y visual de la América española y portuguesa a lo largo de los siglos XVII y XVIII.

Notas

[1] Warburg, Aby “Fladriche Kunst und florentinische Frührenaissance Studien I”, Jahrbuch der Königlich Preussischen Kunstsammlungen, n°23, 1902, pp. 247-266.

[2] Gell, Alfred, Art and Agency: An Anthropological Theory, Oxford, 1998; Appadurai Arjun, The Social Life of Things, Commodities in Cultural Perspective, Cambridge/London, Cambridge University Press, 1986;  “The thing itself”, Public Culture, n° 18, 2006, pp. 15-21.

[3] Kopytoff, Igor, “La biografia cultural de las cosas: la mercantilización como proceso”, en Appadurai Arjun, The Social Life of Things, Commodities in Cultural Perspective, Cambridge/London, Cambridge University Press, 1986, pp. 89-122.